MUCHACHA CAMPESINA ( LA CONTADINA ) DIEGO DE VELÁZQUEZ

MUCHACHA CAMPESINA ( LA CONTADINA 1650

Muchacha campesina ( La Contadina )
óleo sobre lienzo 65 x 51 cm
Colección particular

Publicada por primera vez en 1973 por Gudiol , la obra puede identificarse con el

" retrato de muchacha con un pañuelo en la cabeza " que figura en 1687 en el inventario del difunto Gaspar de Haro. 

La atribución al pintor, ampliamente aceptada por la crítica , es rechazada por Brown , que juzga la ejecución incompatible con el estilo de Velázquez . Se observa una gran similitud en la colocación de las luces , la modulación de las carnaciones y la construcción plástica del rostro Más que una obra inacabada puede tratarse de un estudio . Además la intensidad de la mirada , la fuerza plástica que emana del rostro , el virtuosismo en la ejecución del pañuelo blanco , el trabajo en reserva del vestido -dibujado en pintura -según la costumbre de Velázquez y la libertad de la pincelada , que en el rostro , remite a los bufones de Felipe IV , no pueden compararse más que con el pintor sevillano.

Mercedes Tamara

23-12-2018

Bibliografia . Velázquez Edit Lumberg

ALINE MASSON. CON MANTILLA BLANCA RAIMUNDO DE MADRAZO

ALINE MASSON. CON MANTILLA BLANCA

Aline Masson con mantilla blanca..
 Óleo sobre lienzo, 65 x 52 cm
Museo del Prado. Madrid

Aline Masson, fue la modelo preferida de Madrazo y representó el ideal estético femenino del París burgués de finales del siglo XIX.

La mantilla blanca sobre un mantón de Manila rojo y las flores de la cabeza, relacionan esta obra con el gusto francés decimonónico por lo español, detalle que Madrazo subrayó en muchas de sus obras.

La gracia y la belleza que caracterizan la obra de Raimundo de Madrazo lo encontramos en esta obra, un magnífico retrato donde podemos apreciar el perfecto dibujo del rostro, las manos y las flores bordadas de la mantilla. Madrazo mezcla el dibujo con la pincelada suelta de la mantilla, el cabello o los lazos, siendo éste el estilo identificativo de la pintura realista finisecular.

 Destaca la expresión pícara de la modelo y la carnación de brazos y rostro, consiguiendo un estilo cercano a la fotografía. El colorido, a pesar de ser poco variado, es muy alegre, contrastando el fondo, muy oscuro, con el primer plano, más claro.

Mercedes Tamara

5-08-2018

Bibliografia : ArteHistoria

LA LECCIÓN DE MÚSICA JEAN HONORE FARGONARD

LA LECCIÓN DE MÚSICA

La lección de música
óleo sobre lienzo 109 x 121 cm
Museo del Louvre, Paris 

Fragonard fue un pintor ecléctico que a lo largo de su carrera experimentó no sólo un evolución estilística sino también estética. Tras la asimilación de principios de naturalismo en un periodo de aprendizaje 
con Chardin , se entregó al decorativismo barroco de Boucher y Tiépolo 

El tema de la lección de música fue tratado con frecuencia por los pintores holandeses, como puede verse en la Lección de música de Vermeer; en la pintura barroca, sin embargo, solía ser una alegoría de los cinco sentidos.

Aquí el tema se ha transformado en galante envuelto en una atmósfera de ensueño amoroso: el joven profesor de música corteja a su alumna y le mira el escote. Su entrega es paralela a la entrega de la joven pianista.

Mercedes Tamara

15-06-2018

Bibliografia Wikipedia

TRES MUCHACHOS ( DOS GOLFILLOS Y UN. NEGRITO ) BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO

Tres muchachos (Dos golfillos y un negrito),
óleo sobre lienzo, 159 x 104 cm.
Londres National Pictures Gallery

.Murillo tuvo un esclavo negro llamado Juan que había nacido en 1657. Puede tratarse del modelo empleado para esta composición, también titulada en algunas ocasiones El pobre negro. Al igual que su compañero Invitación al juego de pelota a pala, el maestro sevillano realiza una nueva demostración de cómo captar las reacciones psicológicas de los niños. 

La escena tiene lugar al aire libre donde dos niños están dispuestos a iniciar su merienda cuando aparece un tercero que porta un cántaro, demandando un trozo de la tarta que están a punto de comer. El que tiene la tarta en sus manos la retirada del campo de acción del muchacho negro mientras que el otro dirige su mirada al espectador y sonríe abiertamente. El pequeño negro muestra un gesto amable en su demanda.


Un triángulo organiza la composición, ocupando la cabeza del niño negro el vértice, creando un juego de luces y sombras con el que refuerza la sensación atmosférica, de la misma manera que hizo Velázquez en Las Meninas. Las tonalidades pardas y terrosas contrastando con claras son habituales de esta época caracterizada por el aspecxto naturalista de las composiciones, especialmente las populares.

Mercedes Tamara 

11-06-2018

Bibliografia ForoXerbar 

RETRATO DE GINEVRA DE BENCI LEONARDO DE VINCI

RETRATO DE GINEVRA DE BENCI

Retrato de Ginevra de Benci
óleo sobre lienzo 38 x 27 cm
Galeria Nacional de Washington

Ginevra de Benci era hija de un amigo de Leonardo da Vinci, Amerigo di Giovanni Benci. Pese a ciertas dudas en la atribución del cuadro a Leonardo, la belleza y poder del retrato son valores indudables.


La pose de la muchacha marca un tipo que Leonardo utilizará en la mayoría de sus retratos femeninos. Ella está levemente estilizada, de tres cuartos y vista de medio plano, del que se supone que faltan las manos sobre el pecho (ver el Estudio de manos femeninas). La modelo posee una expresividad poco frecuente, con un rostro serio y penetrante, que impone su presencia psicológica en el mundo del espectador.




Es una anticipación de la Gioconda. Se tardó algún tiempo en identificar a la joven. La pista principal se encuentra en la botánica, disciplina que interesaba grandemente a Leonardo. Decimos esto por dos razones. La primera son los árboles que prestan el decorado de fondo a la silueta femenina. Se trata de enebros, cuyo nombre en italiano, ginepro, son fonéticamente muy similares a Ginevra. Además, existe un emblema al dorso de la tabla del retrato, que consiste en una rama de laurel cruzada con una rama de palmera. Ambas encierran un lema en latín: Virtutem Forma Decorat, que quiere decir,

 La Belleza es el ornamento de la Virtud. Este emblema parece ser que podría corresponder a la heráldica de Bernardo Bembo. La vida de Ginevra nos cuenta que en 1474 se casó con Luigi Bernardini di Lapo Nicolini, cuando ella contaba con 17 años. Su matrimonio fue desgraciado por los problemas financieros de su marido, y por problemas de salud de ella, que aparecieron a partir de 1480. Tras este deterioro, tuvo una relación de carácter platónico con el embajador de Venecia en Florencia, el citado Bernardo Bembo, padre del cardenal Pietro Bembo.

Mercedes Tamara

14-03-2018

Bibliografia ArteHistoria ( copia integra )

LA MUERTE DE MARAT JEAN LOUIS DAVID

LA MUERTE DE MARAT 1793

La muerte de Marta
óleo sobre lienzo 188 x 128 cm
Reales Museos de Bruselas 

Ya en las postrimerías del siglo XVIII, Louis David es estéticamente el jefe del neoclasicismo en Francia y políticamente un exaltado revolucionario. Ambas condiciones confluirán en la ejecución de un cuadro extraño, realmente único :

Marat asesinado 


Estamos ante el retrato de un hombre que acaba de sufrir una muerte violenta . El episodio es bien conocido . El médico jacobino , dentro de su bañera, está escribiendo y le acaban de pasar el memorial escrito por una mujer de 25 años , Carlota Godoy ,

cuyo suplicante texto puede leerse bien en el detalle, encabezado por la fecha del suceso : 13 de julio de 1793 . La propia Carlota , irrumpe en la escena y apuñala a Marat en la bañera, siendo luego apresada y por último agillotinada. David estaba totalmente identificado con las ideas extremadas de su amigo nos pinta a éste inmediatamente después del asesinato , desplomado , todavía con la pluma en la mano 

y a su lado el sangriento cuchillo que le ha dado muerte. 

El cuadro fue realizado en seguida de haber de haber ocurrido el crimen , meses antes de que David fuera encarcelado por sus excesos revolucionarios , que habrían de templarse más tarde ,al convertirse en retratista oficial del futuro emperador Napoleón . El macabro asunto, iba bien con el sentimiento del artista , que ya había pintado a  Sócrates bebiendo la cicuta y que miraba la muerte de su amigo como una tragedia clásica 

La pintura fue ampliamente admirada durante el Terror, ya que sus líderes ordenaron muchas copias para servir de propaganda. No obstante, La muerte de Marat cayó en desgracia tras la caída y ejecución de Robespierre. Desde 1795 hasta la muerte de David, el cuadro languideció en la oscuridad y yació en el olvido.

Mercedes Tamara

2-03-2018

Bibliografia : " Artehistoria

                      " Wikipedia "

LA MUCHACHA DEL COLLAR DE PERLAS JOHANNES VERMEER

LA MUCHACHA DEL COLLAR DE PERLAS 1664

La muchacha del collar de perlas
óleo sobre lienzo 85 x 45 cm
Alte Pinakothek de Berlin

 V











Ya desde época renacentista empezarán a tomar fuerza los lienzos que tienen como temática la dualidad entre la virtud y el vicio, un asunto tratado por todos buena parte de los humanistas de los siglos XVI y XVII. Vermeer también recogerá en sus obras esta tesitura como bien se pone de manifiesto en esta escena, aunque sea de manera recatada y discreta. La escena, como es habitual en el maestro de Delft, se desarrolla en un interior iluminado por un potente foco de luz procedente de la ventana de la izquierda, creando intensos contrastes lumínicos que recuerdan a Caravaggio, uno de los pintores más admirados entre los maestros holandeses del Barroco, desde el grupo de Utrecht hasta Rembrandt. 

La mujer que protagoniza la composición se mira en un espejo que cuelga de la pared junto a la ventana, colocándose el collar de perlas que hace juego con sus llamativos pendientes. En la mesa encontramos una brocha para aplicar el maquillaje, otra alusión a la vanidad, mientras que la tarjeta que aparece en el extremo de la robusta mesa sería una referencia al adulterio, arreglándose para su amante. Frente al vicio representado por la amante nos encontraríamos con la virtud, simbolizado en este caso en la figura que decora la vidriera, posiblemente una representación de la Templanza que también aparece en Caballero y dama tomando vino. 


El mensaje de esta escena sería que la dama debe vivir recatadamente y frenar sus instintos, en lugar de lanzarse a la lujuria y el libertinaje, en consonancia con las ideas de los moralistas de su tiempo. La ubicación de los objetos en planos paralelos al espectador para crear la profundidad, la sensación atmosférica conseguida gracias a la luz y la manera "puntillista" de aplicar el color, repartiendo de forma chispeante la luz por toda la superficie, serán las características definitorias del estilo de Vermeer, al igual que el empleo de esas brillantes tonalidades entre las que destacan el azul y el amarillo de esta chaqueta ribeteada de armiño, propiedad de su esposa, Catharina Bolnes.

Mercedes Tamara

18-02-2018

Bibliografia : Vermeer , Edit Biblioteca el Mundo

                                   Wikipedia

La pintura muestra a una mujer, tal vez embarazada, ante el espejo, poniéndose un collar de perlas.




Ante ella hay una mesa cubierta con varios objetos de belleza, como una brocha para aplicarse polvos y una nota, tal vez como indicación de que se arregla para recibir a su amante.




La luz del día entra por la ventana y hace revivir los colores amarillos y brillantes de las perlas. En este cuadro, Vermeer vuelve a tratar el dilema entre la virtud y el vicio, en este caso el de la vanidad.[1] Las perlas son símbolo de la vanidad, como indica una ilustración en Groot Schilderboek de Gerard de Lairesse, Ámsterdam, 1707.




Véase también



















Referencias

RETRATO DE UNA DAMA CON ABANICO TIZIANO

RETRATO DE UNA DAMA CON ABANICO 1555

Retrato de una dama con abanico
óleo sobre lienzo 102 x 88 cm
Galeria de Pinturas de DresdeT

Tiziano fue el pintor más importante del siglo XVI en Venecia, Italia, así como el primero en tener una clientela internacional. Fue pintor de corte del sacro emperador romano Carlos V, con el que supuestamente entabló una gran amistad. Tiziano dominó un amplio abanico de temas: desde los devocionales a los mitológi­cos, pasando por los retratos y las alegorías. Fue uno de los máximos exponentes de la técnica del colorito vene­ciano y es considerado uno de los genios máximos de la pintura universal.

Esta encantadora figura pintada por el gran maestro italiano, se cree que es la imagen de su hija que se designó con el título de Laetinia vestida de novia.

Hay argumentos en pro y en contra . En primer lugar, el que lleve vestido blanco y un abanico no asegura que vaya a celebrarse una boda , pues no era de rigor el traje blanco para las novias -ni lo fue hasta el siglo XIX- y en cuanto al abanico-en forma de banderola , era de uso en muchas fiestas.

Realizada con un fondo oscuro esta encantadora dama se nos presenta con la cabeza vuelta hacía el espectador , lleva un abanico típico  de esa época, el traje de un color bello color marrón claro en el que destaca los bellos pliegues del corpiño y de la falda, así como las mangas que son características del pintor veneciano y que el artista ha trazado con maestría La Luz está distribuida a lo largo de toda la vestimenta e ilumina el bello rostro de la modelo que  contrata claramente con el fondo del cuadro

Mercedes Tamara

31-01-2018

,Bibliografia : Tiziano , Edit Taschen

COMIDA DE PÍCAROS DIEGO RODRIGUEZ DE VELÁZQUEZ

COMIDA DE PÍCAROS 1617

Comida de pícaros
óleo sobre lienzo 96 x 112 cm
Museo Nacional de Bellas Artes de Budapest

Este cuadro que tiene un carácter marcadamente zurbanesco ,en el bodegón que aparece sobre la mesa en la Comida de pícaros del Diego de Velázquez. . Esa identidad con el estilo del pintor extremeño es puramente accidental por cuanto el cuadro fue realizado en 1619 , es decir, cuando su autor contaba tan sólo veinte años de edad y uno más que Zurbarán , quien se había establecido en Sevilla en 1614.

La composición demuestra en todo caso un paralelismo en la evolución de ambos artistas, cuyos primeros pasos recibieron una clara influencia del caravaggismo. una corriente que marcaría el estilo de muchos pintores del barroco europeo, y, que es evidente en la obra del pintor sevillano.

Este cuadro corresponde a una serie de escenas de género que probablemente se iniciara hacía el año 1617, año en el que el pintor había abandonado ya el taller de Pacheco e iba a casarse son la hija de éste. Gracias a la actividad literaria de su suegro ( " El arte de pintura, 1647 " ) sabemos que el artista trabajaba del natural ,utilizando sobre todo a un joven campesino como modelo, se trata del personaje sentado al lado derecho, en conversación con el hombre maduro que espera recibir la copa llena de vino de manos de la sirvienta. Con una paleta de colores riquísima, que en cierto modo queda absorbida por la entonación tenebrista del cuadro.


Velázquez crea una ilusión de vida que impone gravedad pero no dramatismo . Esta se sin duda, la más clara distinción que puede establecerse con respeto al caravaggismo ortodoxo; el enfoque realista no comporta teatralidad. La composición participa, en suma, del espíritu de la novela picaresca, cuyos personajes transitan por la vida con el ingenio despierto y haciendo gala de una imaginación pragmática que le permite adaptarse a esta realidad.

Mercedes Tamara

23-01-2018

Bibliografia : Velázquez, Edit Biblioteca El Mundo

                    Wikipedia