jueves, 24 de mayo de 2018

RETRATO DE MARCANTONIO TREVISANI TIZIANO

RETRATO DE MARCANTONIO TREVISANI 

Retrato de Marcantonio Trevisani
óleo sobre lienzo 100 x 86 cm
Museo Nacional de Bellas Artes de Budapest







Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente en español como Tiziano o Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, Véneto, hacia 1477/1490-Venecia, 27 de agosto de 1576),1​ fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana.

Reconocido por sus contemporáneos como «el sol entre las estrellas», en homenaje a la línea final del Paraíso de La Divina Comedia de Dante Alighieri,​ Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.



En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental





El Retrato de Marcantonio Trevisani Tiziano ha resaltado la figura del ilustre personaje sobre un fondo oscuro que en las zonas de sombras se confunde con el contorno de la capa de brocado , creando la ilusión de que el modelo ocupa un lugar en el espacio. Su técnica revela que el artista ha alcanzado completo dominio de la materia , dominio que le permite expresar con espontaneidad y economía de medios .










En las texturas de la indumentaria y con los volúmenes del rostro y manos juega la gruesa trama del lienzo, sobre la cual adquiere el pigmento una desigual densidad . El cuadro traduce en suma , la reflexiva personalidad del dux, cuya efigie realizó Tiziano en virtud de su cargo de pintor oficial de la ciudad de Venecia , anteriormente desempeñado por Giovanni Bellini

                                                               Mercedes Tamara
                                                               24-05-2018


Bibliografia . Wikipedia



martes, 8 de mayo de 2018

CABEZA DE VIEJA PETER BRUEGHEL EL VIEJO

       CABEZA DE VIEJA 


Cabeza de vieja
óleo sobre lienzo
Althe Pinakothek de Munich

Cabeza de vieja, es una pintura sobre tabla de reducidas dimensiones, pero a pesar de ello muestra la gran maestría del maestro Brueghel el Viejo para hacer patente, con una gran carga de ironía, las deficiencias y peculiaridades de la propia humanidad, eligiendo como modelos aquellos que presentaban unas características casi arquetípicas entre las gentes más sencillas y humildes del pueblo, en las que los defectos humanos alcanzaban su mayor nivel de manifestación.


 Este cuadro fue pintado en los últimos años de su vida, y muestra a la anciana que sirve de modelo de perfil, con lo que la forma de su nariz queda patente en toda su magnitud, así como la frente inclinada hacia atrás, la boca desdentada sin apenas evidenciarse el trazo de los labios, todo lo que hace patente la ridícula fealdad de la mujer y su evidente gesto de idiocia que retrata con absoluta fidelidad al modelo, pero dotándolo, por la extraordinaria capacidad ilustradora del pintor, de la grandeza que tiene toda muestra de miseria humana cuando es captada y plasmada por la mirada atenta y genial de un gran artista.


            Brueghel utiliza en este cuadro, como era habitual en él, la técnica de pinceladas paralelas que provocan un efecto visual de rasgueado y claroscuro, éste último es uno de los elementos característicos del arte grotesco, porque este término proviene de “gruta” o "caverna", por lo que siempre está acompañado de ciertas tenebrosidades naturales en aquellas.

Mercedes Tamara
8-05-2018


 Bibliografia : Galeria del Artista ( copia 

jueves, 26 de abril de 2018

RETRATO DEL CARDENAL DON LUIS MARIA DE BORBÓN FARNCISCO DE GOYA



RETRATO DEL CARDENAL DON LUIS MARIA DE BORBÓN


Retrato de Luis Maria de Borbón 
óleo sobre lienzo 200 x 106 cm
Museo de Sao Paulo Brasil





En el
Retrato de Luis Maria de Borbón, Goya adopta un esquema compositivo
en el que la figura , de cuerpo entero , se recorta sobre un fondo en penumbra, con la c cabeza de frente y el cuerpo ligeramente vuelto hacía la izquierda , sosteniendo en una de sus manos un libro abierto . Se trata de un. modelo muy tradicional , resuelto formalmente a la manera neoclásica , cuya exclusiva novedad estriba en el  tratamiento pictórico de la materia.


En esta ocasión , dado el rango del personaje , la indumentaria y los atributos cobran una especial importancia , lo que obliga al artista a buscar los medios que centren la atención en el rostro y manos , principal agente expresivo de la personalidad del sujeto - Así, lo accesorio- el hábito cardenalicio- ha sido representado por medio de una técnica de pincelada difusa que consigue fundir los contornos de la figura con el espacio inconcreto que la circunda. Solo la cruz y las condecoraciones que adornan el pecho del retratado cobran, a base de una precisa valoración lumínica , la realidad material que conviene a su condición áurea.


El rostro y las manos , por el contrario, son objetos de  tratamiento concreto que tiende a resaltar con sequedad, sin estridencias o efectismos. los rasgos fisiológicos y la capacidad gestual. Con elle la figura adquiere atributos expresivos de su personalidad que emergen con vida propia de un suntuoso indumento



Mercedes Tamara
26-04-2018

Bibliografia : Goya, Edit Bibloteca El Mundo

viernes, 6 de abril de 2018

RETRATO DE DAMA EN EL JARDIN NICOLAS LANCRET

RETRATO DE DAMA EN EL JARDIN 
Retrato de dama en el jardin
óleo sobre lienzo 36 x 48 cm
Museo de Beaux Arts Bruselas






Nicolas Lancret Contemporáneo de Watteau experimentó en su obra pictórica una poderosa influencia de éste . Representa con  una gran maestría las diversiones de la sociedad galante, escenas teatrales o pastorales. En el retrato el pintor realiza un tema intimo .ubicando a las figuras entre el verdor de un paisaje entre posturas naturales y desenvueltas.



El Retrato de dama en el jardin es una muestra clara de un enfoque nuevo, casi de género de la pintura retratística La carita redonda de la dama con sus rasgos menudos e inexpresivos es poco específica, pero encarna con claridad los nuevos gestos de la época . El especial encanto del pequeño cuadro está en el colorido
exquisito construido sobre la delicada armonía de tonalidades azules, plateadas y verdosas. Semejante percepción del color que ha venido a sustituir los brillantes colores locales de la escuela académica del clasicismo del arte del siglo XVIIi. 


Mercedes Tamara
6-04-2018


Bibliografia : " Guía de los Grandes Museos " Edit Planeta


miércoles, 14 de marzo de 2018

RETRATO DE GINEVRA DE BENCI LEONARDO DE VINCI




RETRATO DE GINEVRA DE BENCI

Retrato de Ginevra de Benci
óleo sobre lienzo 38 x 27 cm
Galeria Nacional de Washington









Ginevra de Benci era hija de un amigo de Leonardo da Vinci, Amerigo di Giovanni Benci. Pese a ciertas dudas en la atribución del cuadro a Leonardo, la belleza y poder del retrato son valores indudables.


La pose de la muchacha marca un tipo que Leonardo utilizará en la mayoría de sus retratos femeninos. Ella está levemente estilizada, de tres cuartos y vista de medio plano, del que se supone que faltan las manos sobre el pecho (ver el Estudio de manos femeninas). La modelo posee una expresividad poco frecuente, con un rostro serio y penetrante, que impone su presencia psicológica en el mundo del espectador.




Es una anticipación de la Gioconda. Se tardó algún tiempo en identificar a la joven. La pista principal se encuentra en la botánica, disciplina que interesaba grandemente a Leonardo. Decimos esto por dos razones. La primera son los árboles que prestan el decorado de fondo a la silueta femenina. Se trata de enebros, cuyo nombre en italiano, ginepro, son fonéticamente muy similares a Ginevra. Además, existe un emblema al dorso de la tabla del retrato, que consiste en una rama de laurel cruzada con una rama de palmera. Ambas encierran un lema en latín: Virtutem Forma Decorat, que quiere decir,



 La Belleza es el ornamento de la Virtud. Este emblema parece ser que podría corresponder a la heráldica de Bernardo Bembo. La vida de Ginevra nos cuenta que en 1474 se casó con Luigi Bernardini di Lapo Nicolini, cuando ella contaba con 17 años. Su matrimonio fue desgraciado por los problemas financieros de su marido, y por problemas de salud de ella, que aparecieron a partir de 1480. Tras este deterioro, tuvo una relación de carácter platónico con el embajador de Venecia en Florencia, el citado Bernardo Bembo, padre del cardenal Pietro Bembo.


Mercedes Tamara
14-03-2018

Bibliografia ArteHistoria ( copia integra )

viernes, 2 de marzo de 2018

LA MUERTE DE MARAT JEAN LOUIS DAVID

LA MUERTE DE MARAT 1793


La muerte de Marta
óleo sobre lienzo 188 x 128 cm
Reales Museos de Bruselas 




Ya en las postrimerías del siglo XVIII, Louis David es estéticamente el jefe del neoclasicismo en Francia y políticamente un exaltado revolucionario. Ambas condiciones confluirán en la ejecución de un cuadro extraño, realmente único :

Marat asesinado 


Estamos ante el retrato de un hombre que acaba de sufrir una muerte violenta . El episodio es bien conocido . El médico jacobino , dentro de su bañera, está escribiendo y le acaban de pasar el memorial escrito por una mujer de 25 años , Carlota Godoy ,
cuyo suplicante texto puede leerse bien en el detalle, encabezado por la fecha del suceso : 13 de julio de 1793 . La propia Carlota , irrumpe en la escena y apuñala a Marat en la bañera, siendo luego apresada y por último agillotinada. David estaba totalmente identificado con las ideas extremadas de su amigo nos pinta a éste inmediatamente después del asesinato , desplomado , todavía con la pluma en la mano 
y a su lado el sangriento cuchillo que le ha dado muerte. 


El cuadro fue realizado en seguida de haber de haber ocurrido el crimen , meses antes de que David fuera encarcelado por sus excesos revolucionarios , que habrían de templarse más tarde ,al convertirse en retratista oficial del futuro emperador Napoleón . El macabro asunto, iba bien con el sentimiento del artista , que ya había pintado a  Sócrates bebiendo la cicuta y que miraba la muerte de su amigo como una tragedia clásica 


La pintura fue ampliamente admirada durante el Terror, ya que sus líderes ordenaron muchas copias para servir de propaganda. No obstante, La muerte de Marat cayó en desgracia tras la caída y ejecución de Robespierre. Desde 1795 hasta la muerte de David, el cuadro languideció en la oscuridad y yació en el olvido.




Mercedes Tamara
2-03-2018



Bibliografia : " Artehistoria
                      " Wikipedia "



domingo, 18 de febrero de 2018

LA MUCHACHA DEL COLLAR DE PERLAS JOHANNES VERMEER

LA MUCHACHA DEL COLLAR DE PERLAS 1664

La muchacha del collar de perlas
óleo sobre lienzo 85 x 45 cm
Alte Pinakothek de Berlin

 V











Ya desde época renacentista empezarán a tomar fuerza los lienzos que tienen como temática la dualidad entre la virtud y el vicio, un asunto tratado por todos buena parte de los humanistas de los siglos XVI y XVII. Vermeer también recogerá en sus obras esta tesitura como bien se pone de manifiesto en esta escena, aunque sea de manera recatada y discreta. La escena, como es habitual en el maestro de Delft, se desarrolla en un interior iluminado por un potente foco de luz procedente de la ventana de la izquierda, creando intensos contrastes lumínicos que recuerdan a Caravaggio, uno de los pintores más admirados entre los maestros holandeses del Barroco, desde el grupo de Utrecht hasta Rembrandt. 

La mujer que protagoniza la composición se mira en un espejo que cuelga de la pared junto a la ventana, colocándose el collar de perlas que hace juego con sus llamativos pendientes. En la mesa encontramos una brocha para aplicar el maquillaje, otra alusión a la vanidad, mientras que la tarjeta que aparece en el extremo de la robusta mesa sería una referencia al adulterio, arreglándose para su amante. Frente al vicio representado por la amante nos encontraríamos con la virtud, simbolizado en este caso en la figura que decora la vidriera, posiblemente una representación de la Templanza que también aparece en Caballero y dama tomando vino. 


El mensaje de esta escena sería que la dama debe vivir recatadamente y frenar sus instintos, en lugar de lanzarse a la lujuria y el libertinaje, en consonancia con las ideas de los moralistas de su tiempo. La ubicación de los objetos en planos paralelos al espectador para crear la profundidad, la sensación atmosférica conseguida gracias a la luz y la manera "puntillista" de aplicar el color, repartiendo de forma chispeante la luz por toda la superficie, serán las características definitorias del estilo de Vermeer, al igual que el empleo de esas brillantes tonalidades entre las que destacan el azul y el amarillo de esta chaqueta ribeteada de armiño, propiedad de su esposa, Catharina Bolnes.




Mercedes Tamara
18-02-2018

Bibliografia : Vermeer , Edit Biblioteca el Mundo
                                   Wikipedia


















La pintura muestra a una mujer, tal vez embarazada, ante el espejo, poniéndose un collar de perlas.




Ante ella hay una mesa cubierta con varios objetos de belleza, como una brocha para aplicarse polvos y una nota, tal vez como indicación de que se arregla para recibir a su amante.




La luz del día entra por la ventana y hace revivir los colores amarillos y brillantes de las perlas. En este cuadro, Vermeer vuelve a tratar el dilema entre la virtud y el vicio, en este caso el de la vanidad.[1] Las perlas son símbolo de la vanidad, como indica una ilustración en Groot Schilderboek de Gerard de Lairesse, Ámsterdam, 1707.




Véase también



















Referencias

miércoles, 31 de enero de 2018

RETRATO DE UNA DAMA CON ABANICO TIZIANO

RETRATO DE UNA DAMA CON ABANICO 1555
Retrato de una dama con abanico
óleo sobre lienzo 102 x 88 cm
Galeria de Pinturas de Dresde
T




Tiziano fue el pintor más importante del siglo XVI en Venecia, Italia, así como el primero en tener una clientela internacional. Fue pintor de corte del sacro emperador romano Carlos V, con el que supuestamente entabló una gran amistad. Tiziano dominó un amplio abanico de temas: desde los devocionales a los mitológi­cos, pasando por los retratos y las alegorías. Fue uno de los máximos exponentes de la técnica del colorito vene­ciano y es considerado uno de los genios máximos de la pintura universal.



Esta encantadora figura pintada por el gran maestro italiano, se cree que es la imagen de su hija que se designó con el título de Laetinia vestida de novia.



Hay argumentos en pro y en contra . En primer lugar, el que lleve vestido blanco y un abanico no asegura que vaya a celebrarse una boda , pues no era de rigor el traje blanco para las novias -ni lo fue hasta el siglo XIX- y en cuanto al abanico-en forma de banderola , era de uso en muchas fiestas.






Realizada con un fondo oscuro esta encantadora dama se nos presenta con la cabeza vuelta hacía el espectador , lleva un abanico típico  de esa época, el traje de un color bello color marrón claro en el que destaca los bellos pliegues del corpiño y de la falda, así como las mangas que son características del pintor veneciano y que el artista ha trazado con maestría La Luz está distribuida a lo largo de toda la vestimenta e ilumina el bello rostro de la modelo que  contrata claramente con el fondo del cuadro



Mercedes Tamara
31-01-2018

,Bibliografia : Tiziano , Edit Taschen


martes, 23 de enero de 2018

COMIDA DE PÍCAROS DIEGO RODRIGUEZ DE VELÁZQUEZ

COMIDA DE PÍCAROS 1617

Comida de pícaros
óleo sobre lienzo 96 x 112 cm
Museo Nacional de Bellas Artes de Budapest

















Este cuadro que tiene un carácter marcadamente zurbanesco ,en el bodegón que aparece sobre la mesa en la Comida de pícaros del Diego de Velázquez. . Esa identidad con el estilo del pintor extremeño es puramente accidental por cuanto el cuadro fue realizado en 1619 , es decir, cuando su autor contaba tan sólo veinte años de edad y uno más que Zurbarán , quien se había establecido en Sevilla en 1614.


La composición demuestra en todo caso un paralelismo en la evolución de ambos artistas, cuyos primeros pasos recibieron una clara influencia del caravaggismo. una corriente que marcaría el estilo de muchos pintores del barroco europeo, y, que es evidente en la obra del pintor sevillano.


Este cuadro corresponde a una serie de escenas de género que probablemente se iniciara hacía el año 1617, año en el que el pintor había abandonado ya el taller de Pacheco e iba a casarse son la hija de éste. Gracias a la actividad literaria de su suegro ( " El arte de pintura, 1647 " ) sabemos que el artista trabajaba del natural ,utilizando sobre todo a un joven campesino como modelo, se trata del personaje sentado al lado derecho, en conversación con el hombre maduro que espera recibir la copa llena de vino de manos de la sirvienta. Con una paleta de colores riquísima, que en cierto modo queda absorbida por la entonación tenebrista del cuadro.


Velázquez crea una ilusión de vida que impone gravedad pero no dramatismo . Esta se sin duda, la más clara distinción que puede establecerse con respeto al caravaggismo ortodoxo; el enfoque realista no comporta teatralidad. La composición participa, en suma, del espíritu de la novela picaresca, cuyos personajes transitan por la vida con el ingenio despierto y haciendo gala de una imaginación pragmática que le permite adaptarse a esta realidad.


Mercedes Tamara
23-01-2018


Bibliografia : Velázquez, Edit Biblioteca El Mundo
                    Wikipedia





martes, 16 de enero de 2018

RIO HELADO AERT VAN DER NEER

RIO HELADO AERT VAN DER NEER 1555-1600

Río helado
óleo sobre lienzo 64 x 75 cm
Rijkmuseum, Amsterdam




Aert van deer Neer dedicó parte de su producción a las escenas de invierno . En Rio helado , la preocupación del artista por captar los efectos de La Luz y la atmósfera, lleva al autor por realizar esta obra , más allá del mero dibujo anecdótico .

Observando bien el lienzo pone de manifiesto una técnica de ejecución basada en el empleo de toques luminosos para dar los volúmenes a los objetos y a las figuras , así como una peculiar difuminación del color con la que se consigue plasmar el efecto cristalino de la superficie del hielo . Pueblan la composición patinadores y jugadores de golf , pescadores, mujeres y niños, trineos grandes y pequeños , componiendo una escena de género un tanto convencional y revela el propósito de dar todo su valor al espacio atmosférico.


Mercedes Tamara
16-01-2018


Bibliografia : Guia de la Pintura de los Grandes Museos, Edit Planeta