domingo, 18 de febrero de 2018

LA MUCHACHA DEL COLLAR DE PERLAS JOHANNES VERMEER

LA MUCHACHA DEL COLLAR DE PERLAS 1664

La muchacha del collar de perlas
óleo sobre lienzo 85 x 45 cm
Alte Pinakothek de Berlin

 V











Ya desde época renacentista empezarán a tomar fuerza los lienzos que tienen como temática la dualidad entre la virtud y el vicio, un asunto tratado por todos buena parte de los humanistas de los siglos XVI y XVII. Vermeer también recogerá en sus obras esta tesitura como bien se pone de manifiesto en esta escena, aunque sea de manera recatada y discreta. La escena, como es habitual en el maestro de Delft, se desarrolla en un interior iluminado por un potente foco de luz procedente de la ventana de la izquierda, creando intensos contrastes lumínicos que recuerdan a Caravaggio, uno de los pintores más admirados entre los maestros holandeses del Barroco, desde el grupo de Utrecht hasta Rembrandt. 

La mujer que protagoniza la composición se mira en un espejo que cuelga de la pared junto a la ventana, colocándose el collar de perlas que hace juego con sus llamativos pendientes. En la mesa encontramos una brocha para aplicar el maquillaje, otra alusión a la vanidad, mientras que la tarjeta que aparece en el extremo de la robusta mesa sería una referencia al adulterio, arreglándose para su amante. Frente al vicio representado por la amante nos encontraríamos con la virtud, simbolizado en este caso en la figura que decora la vidriera, posiblemente una representación de la Templanza que también aparece en Caballero y dama tomando vino. 


El mensaje de esta escena sería que la dama debe vivir recatadamente y frenar sus instintos, en lugar de lanzarse a la lujuria y el libertinaje, en consonancia con las ideas de los moralistas de su tiempo. La ubicación de los objetos en planos paralelos al espectador para crear la profundidad, la sensación atmosférica conseguida gracias a la luz y la manera "puntillista" de aplicar el color, repartiendo de forma chispeante la luz por toda la superficie, serán las características definitorias del estilo de Vermeer, al igual que el empleo de esas brillantes tonalidades entre las que destacan el azul y el amarillo de esta chaqueta ribeteada de armiño, propiedad de su esposa, Catharina Bolnes.




Mercedes Tamara
18-02-2018

Bibliografia : Vermeer , Edit Biblioteca el Mundo
                                   Wikipedia


















La pintura muestra a una mujer, tal vez embarazada, ante el espejo, poniéndose un collar de perlas.




Ante ella hay una mesa cubierta con varios objetos de belleza, como una brocha para aplicarse polvos y una nota, tal vez como indicación de que se arregla para recibir a su amante.




La luz del día entra por la ventana y hace revivir los colores amarillos y brillantes de las perlas. En este cuadro, Vermeer vuelve a tratar el dilema entre la virtud y el vicio, en este caso el de la vanidad.[1] Las perlas son símbolo de la vanidad, como indica una ilustración en Groot Schilderboek de Gerard de Lairesse, Ámsterdam, 1707.




Véase también



















Referencias

miércoles, 31 de enero de 2018

RETRATO DE UNA DAMA CON ABANICO TIZIANO

RETRATO DE UNA DAMA CON ABANICO 1555
Retrato de una dama con abanico
óleo sobre lienzo 102 x 88 cm
Galeria de Pinturas de Dresde
T




Tiziano fue el pintor más importante del siglo XVI en Venecia, Italia, así como el primero en tener una clientela internacional. Fue pintor de corte del sacro emperador romano Carlos V, con el que supuestamente entabló una gran amistad. Tiziano dominó un amplio abanico de temas: desde los devocionales a los mitológi­cos, pasando por los retratos y las alegorías. Fue uno de los máximos exponentes de la técnica del colorito vene­ciano y es considerado uno de los genios máximos de la pintura universal.



Esta encantadora figura pintada por el gran maestro italiano, se cree que es la imagen de su hija que se designó con el título de Laetinia vestida de novia.



Hay argumentos en pro y en contra . En primer lugar, el que lleve vestido blanco y un abanico no asegura que vaya a celebrarse una boda , pues no era de rigor el traje blanco para las novias -ni lo fue hasta el siglo XIX- y en cuanto al abanico-en forma de banderola , era de uso en muchas fiestas.






Realizada con un fondo oscuro esta encantadora dama se nos presenta con la cabeza vuelta hacía el espectador , lleva un abanico típico  de esa época, el traje de un color bello color marrón claro en el que destaca los bellos pliegues del corpiño y de la falda, así como las mangas que son características del pintor veneciano y que el artista ha trazado con maestría La Luz está distribuida a lo largo de toda la vestimenta e ilumina el bello rostro de la modelo que  contrata claramente con el fondo del cuadro



Mercedes Tamara
31-01-2018

,Bibliografia : Tiziano , Edit Taschen


martes, 23 de enero de 2018

COMIDA DE PÍCAROS DIEGO RODRIGUEZ DE VELÁZQUEZ

COMIDA DE PÍCAROS 1617

Comida de pícaros
óleo sobre lienzo 96 x 112 cm
Museo Nacional de Bellas Artes de Budapest

















Este cuadro que tiene un carácter marcadamente zurbanesco ,en el bodegón que aparece sobre la mesa en la Comida de pícaros del Diego de Velázquez. . Esa identidad con el estilo del pintor extremeño es puramente accidental por cuanto el cuadro fue realizado en 1619 , es decir, cuando su autor contaba tan sólo veinte años de edad y uno más que Zurbarán , quien se había establecido en Sevilla en 1614.


La composición demuestra en todo caso un paralelismo en la evolución de ambos artistas, cuyos primeros pasos recibieron una clara influencia del caravaggismo. una corriente que marcaría el estilo de muchos pintores del barroco europeo, y, que es evidente en la obra del pintor sevillano.


Este cuadro corresponde a una serie de escenas de género que probablemente se iniciara hacía el año 1617, año en el que el pintor había abandonado ya el taller de Pacheco e iba a casarse son la hija de éste. Gracias a la actividad literaria de su suegro ( " El arte de pintura, 1647 " ) sabemos que el artista trabajaba del natural ,utilizando sobre todo a un joven campesino como modelo, se trata del personaje sentado al lado derecho, en conversación con el hombre maduro que espera recibir la copa llena de vino de manos de la sirvienta. Con una paleta de colores riquísima, que en cierto modo queda absorbida por la entonación tenebrista del cuadro.


Velázquez crea una ilusión de vida que impone gravedad pero no dramatismo . Esta se sin duda, la más clara distinción que puede establecerse con respeto al caravaggismo ortodoxo; el enfoque realista no comporta teatralidad. La composición participa, en suma, del espíritu de la novela picaresca, cuyos personajes transitan por la vida con el ingenio despierto y haciendo gala de una imaginación pragmática que le permite adaptarse a esta realidad.


Mercedes Tamara
23-01-2018


Bibliografia : Velázquez, Edit Biblioteca El Mundo
                    Wikipedia





martes, 16 de enero de 2018

RIO HELADO AERT VAN DER NEER

RIO HELADO AERT VAN DER NEER 1555-1600

Río helado
óleo sobre lienzo 64 x 75 cm
Rijkmuseum, Amsterdam




Aert van deer Neer dedicó parte de su producción a las escenas de invierno . En Rio helado , la preocupación del artista por captar los efectos de La Luz y la atmósfera, lleva al autor por realizar esta obra , más allá del mero dibujo anecdótico .

Observando bien el lienzo pone de manifiesto una técnica de ejecución basada en el empleo de toques luminosos para dar los volúmenes a los objetos y a las figuras , así como una peculiar difuminación del color con la que se consigue plasmar el efecto cristalino de la superficie del hielo . Pueblan la composición patinadores y jugadores de golf , pescadores, mujeres y niños, trineos grandes y pequeños , componiendo una escena de género un tanto convencional y revela el propósito de dar todo su valor al espacio atmosférico.


Mercedes Tamara
16-01-2018


Bibliografia : Guia de la Pintura de los Grandes Museos, Edit Planeta


sábado, 13 de enero de 2018

HELENA FOURMENT CON SUS DOS HIJOS PEDRO PABLO RUBENS

HELENA FOURMENT CON SUS DOS HIJOS  1636

Helena Fourment con sus dos hijos
óleo sobre lienzo 113 x 82 cm
Museo del Louvre, Paris













Entre los retratos familiares más atractivos pintados por Rubens destaca el de su segunda esposa, Helene Fourment, y sus dos hijos: Clara Joanna (18-1-1632), de cuatro años, y Frans (12-7-1633), de dos años y medio. El retrato está cargado de espontaneidad e intimidad, lo que aumenta el encanto de la obra. Rubens emplea una técnica muy suelta y viva, lo que convierte la composición en una especie de bosquejo a gran escala en el que sólo las cabezas de las tres figuras están plenamente modeladas, mientras el resto sólo queda sugerido. 


La importancia otorgada a la luz y el color enlazan directamente con la escuela veneciana, cuyo máximo representante, Tiziano, era considerado por el maestro flamenco "su padre espiritual".Helene y Peter Paul se casaron en 1630, cuando ella tenía 37 años menos que su esposo. El pintor prefería a una joven de buenos orígenes burgueses que a una dama "que se avergüence de verme coger los pinceles". Sin embargo, a pesar de evitar introducirse en la nobleza, Rubens muestra a su familia con aire aristocrático. 

Las figuras visten de manera elegante, cubriendo sus cabezas con graciosos sombreros -Helene recuerda al retrato de su hermana titulado El sombrero de paja-. Frans mira hacia el espectador y juega con un pajarito, al igual que su hermano Nicolas en el retrato junto a Albert, mientras Clara recoge su falda entre las manos y dirige su mirada a la madre. La postura de Helene sosteniendo en su regazo a su hijo ha sido interpretada como una Madonna profana. Bajo la inacabada silla se aprecian los contornos de un perro adormilado, símbolo tradicional del matrimonio y de la fidelidad.Se piensa que Rubens consideró ampliar la tabla para incorporar al niño que Helene esperaba, Pieter Paul, nacido el 1 de marzo de 1637.


Mercedes Tamara
13-01-2018

Bibliografia : ARTEHISTORIA  ( copia )

jueves, 11 de enero de 2018

TELEMACO Y MENTOR GIOVANNI BATTISTA TIÉPOLO

TELEMACO Y MENTOR 


Telémaco y Mentor
óleo sobre lienzo 110x 72cm
Rijksmuseum Amsterdam








En una primera época siguió el estilo de Giovanni Battista Piazzetta, Federico Bencovich y Sebastiano Ricci. El claroscuro del barroco da paso en él a los colores claros. En Venecia desarrolla un nuevo género, las vedutte, esto es, vistas minuciosas de Venecia, muy estimadas por los viajeros extranjeros.

Habiendo conocido un gran éxito por sus obras de Venecia y Bérgamo llegó a distanciarse del academicismo.

Excelente pintor, influyó en Goya debido a una notable técnica que posteriormente alcanzaría un gran reconocimiento: la «iluminación» de partes precisas del cuadro. Los colores claros resaltan impresiones o ideas tales como la pureza o lo divino. Tenía una gran facilidad para el dibujo. Sus composiciones son etéreas, llenas de gracia. Sus techos pintados, de efecto ilusionista, engañan a la vista y parecen abiertos al cielo.

Para sus temas bíblicos y mitológicos, introducía fondos arquitectónicos al estilo de Veronés. Su colorido es más claro y ligero que el de Tiziano o Rubens, con tonos nacarados, si bien maneja el pincel con soltura, sin buscar un efecto liso como Mengs y otros pintores neoclásicos posteriores.

Su producción es en gran porcentaje religiosa, por encargos de iglesias y cofradías venecianas. Abunda en cuadros de apariciones, visiones celestiales y temas de martirio. Por exigencias decorativas, suelen ser composiciones verticales muy alargadas, dividiendo el espacio entre una zona celeste y otra terrenal.

El cuadro de Telémaco y Mentor establece un elemento de contraste entre el sólido realismo de esta época y el estilo colorista , lleno de alegría decorativa de la pintura veneciana del siglo XVIII . 

Las figuras de los dos jóvenes protagonistas de la composición- Telémaco y Mentor en la búsqueda del padre del primero- Odiseo- ha sido resuelta con una técnica de amplias pinceladas que matiza un dibujo caligráfico e intermitente .


 El procedimiento es económico y efectista , y se halla revestido con una gama de colores cálidos , opuestos con audacia 


Mercedes Tamara
11-01-2018


Bibliografia : Wikipedia 

sábado, 6 de enero de 2018

CUPIDO DESATANDO LA CINTURA DE VENUS JOSHUA REYNOLDS

CUPIDO DESATANDO LA CINTURA DE VENUS 
Cupido destando la cintura de Venus
 óleo sobre lienzos 127,5 x 110 cm
Museo del Hermitage






Se  cree que la modelo de este cuadro fue la famosa Lady Hamilton , que Reynolds pintó en varias ocasiones . Pero también se dan otras hipótesis : en el libro de notas del pintor del año 1784 se menciona el nombre de miss Wilson , una modelo profesional que posaba para Reynolds .

Por cuanto el rostro de Venus está medio cubierto , y las pinturas femeninas que realizó el pintor por lo general tienen rasgos comunes , y por ese motivo, es difícil establecer definitivamente la identidad de la modelo.

El cuadro se considera inacabado , pero está plenamente elaborado en su composición y colorido : los tonos cálidos del segundo plano lanzan destellos rosados sobre el cuerpo de la diosa y se ha captado con viveza la postura del niño que mantiene la cabeza echada atrás con picardía . El contraste con el fondo del cuadro , es bastante acusado ya que muestra unos cortinajes de color rojo muy oscuros que hacen resaltar a la diosa Venus , que es la protagonista del cuadro , cuyos pliegues drapeados están trazados con la maestría característica del autor de este bello cuadro.

Parece ser que el cuadro es una repetición realizada por el propio autor de una composición anterior , que Grigori Potiomkin , favorito de Catalina II, que encargó en el año 1788




Mercedes Tamara
6-01-2018





Bibliografia : Grandes Museos, Edit Planeta


domingo, 25 de diciembre de 2016

BARBARA WILLIERS, DUQUESA DE CLEVELAND COMO SANTA CATALINA SIR PETER LELY

BARBARA WILLIERS, DUQUESA DE CLEVELAND COMO SANTA CATALINA


Barbara Williers, duquesa de Cleveland como Santa Catalina
óleo sobre lienzo 125,7 x 100 cm
Colección particular




Alrededor de 1641 , Peter Lely ( 1618-1680 ) se trasladó de Haarlem a Londres, para concentrase en paisajes y cuadros históricos , antes de seguir su carrera de retratista y marchante de arte en la capital inglesa . Era el momento oportuno , porque los retratos estuvieron muy de moda durante el siglo XVII en Inglaterra y Lely seguiría los pasos de Anton van Dyck.

Sus primeras obras mostraban la influencia de este último y también del barroco holandés , si bien Peter Lely desarrolló a lo largo de su carrera un estilo propio . El artista recibió prestigiosos encargos del rey Carlos I , y después de Oliver Cromwell, pero fue durante el reinado de Carlos II cuando alcanzó la cima del éxito.

En 1660 fue nombrado pintor de cámara de Carlos II  y disfrutó de fama y fortuna considerables. Fue el mismo año en que Barbara Williers se convirtió en amante del monarca , y Lely la pintó en varias ocasiones . 

La extraordinaria belleza de la dama se convirtió en modelo de las mujeres pintadas por Lely , y recreó su lánguida sensualidad con mano suave y evocadora . Lady Williers era tan promiscua y atrevida como insinúa su mirada . Es la exuberante paleta y la atención a la textura de Lely -el brillo de sus perlas , el lustre de sus prendas de seda y el resplandor de su piel -lo que convierten la obra en un placer estético 

Mercedes Tamara
25-12-2016



domingo, 18 de diciembre de 2016

EL AVARO MARIANO FORTUNY

EL AVARO 1870. 1872
El avaro
óleo sobre tabla 30, 5 x 41 cm
Colección particular


Se trata de un tema poco frecuente en la producción de Fortuny , cuya personalidad parece que no era dada a tratar aspectos relacionados con la muerte . En este caso la parca viene disfrazada de alegoría , a través de una iconografía consagrada por la tradición , en la que el esqueleto de un avaro yace junto a un gran cofre abierto que parece guardar el tesoro recaudado a lo largo de su vida.

La escena tiene lugar en una desnuda habitación , en una de cuyas paredes se encuentra el pequeño ventanuco enrejado por la que penetra el haz de luz que ilumina la estancia en diagonal e impacta sobre el protagonista que parece haberse quedado como petrificado , al estar contando las monedas de oro, que sobre el suelo , brillan con tanto protagonismo como él . 

El aspecto algo truculento de la composición se ver reforzado por el empleo de tonalidades oscuras y la hábil utilización de la iluminación , en un alarde compositivo que vuelve a demostrar la habilidad del artista. 

La sensación atmosférica de la estancia cerrada y estancada, casí como si se tratara de una tumba , donde revolotean en el aire antiguas partículas polvorientas , ha sido captada a la perfección , conjugado cierto abocetamiento con el interés , más clásico, por el sombreado gradual , los intervalos luz-oscuridad y su importancia en la realización y consecución de las formas.


Parece que el gusto del artista se centra más en el estudio de los efectos lumínicos y de la composición , que en el melodramático tema . Así esta olvidada habitación , se abre al primer plano , a través de una composición decididamente en diagonal que queda subrayada por la disposición del esqueleto y del cofre y animada por la utilización de un color a base de tonos cálidos y ocres - donde únicamente destaca el pañuelo de intenso rojo que cubre la frente del avaro - que sigue la linea de penetración hacía el espacio imaginario del lienzo. La estancia se hace verdaderamente agobiante debido a la terminación de esta perspectiva en una pared vacía , que viene a remarcar simbólicamente la idea de prisión

Mercedes Tamara 
18-12-2016

Bibliografia . Fortuny , ARTEHISTORIA


sábado, 10 de diciembre de 2016

AUTORRETRATO ANTON RAFAEL MENGS

AUTORRETRATO 

Autorretrato
óleo sobre lienzo 102 x 77 cm
Museo del Ermitage





 Anton Rafael Mengs Fue el pintor más famoso y mejor considerado de su tiempo, y ejerció en sus coetáneos una influencia notable. En la actualidad, más que sus obras históricas y alegóricas se valoran los retratos que realizó para numerosas cortes europeas.
Su repercusión en el arte español fue notable, especialmente en la corte de Madrid. A su sombra despuntaron los Bayeu, y también intervino para que Goya obtuviese un primer empleo en la capital. Su difícil carácter hizo que se enemistara con muchos personajes de la corte, lo cual le hizo acortar su estancia.

El clasicismo ecléctico de Rafael Mengs pretendía conjugar los ideales de la Antigüedad con las tradiciones del academicismo boloñés , no se extendió en su obra al género retratístico . En este campo permaneció riguroso y exento de restricciones formales , mantuvo un vivo interés por la naturaleza , los rasgos individuales y el carácter de la personalidad humana . Uno de los mejores ejemplos es el Autorretrato del Ermitage, obra clásica por su composición , expresividad de la imagen y el colorido de tonos grises , rosados y amarillos.

Mercedes Tamara
10-12-2016