sábado, 13 de enero de 2018

HELENA FOURMENT CON SUS DOS HIJOS PEDRO PABLO RUBENS

HELENA FOURMENT CON SUS DOS HIJOS  1636

Helena Fourment con sus dos hijos
óleo sobre lienzo 113 x 82 cm
Museo del Louvre, Paris













Entre los retratos familiares más atractivos pintados por Rubens destaca el de su segunda esposa, Helene Fourment, y sus dos hijos: Clara Joanna (18-1-1632), de cuatro años, y Frans (12-7-1633), de dos años y medio. El retrato está cargado de espontaneidad e intimidad, lo que aumenta el encanto de la obra. Rubens emplea una técnica muy suelta y viva, lo que convierte la composición en una especie de bosquejo a gran escala en el que sólo las cabezas de las tres figuras están plenamente modeladas, mientras el resto sólo queda sugerido. 


La importancia otorgada a la luz y el color enlazan directamente con la escuela veneciana, cuyo máximo representante, Tiziano, era considerado por el maestro flamenco "su padre espiritual".Helene y Peter Paul se casaron en 1630, cuando ella tenía 37 años menos que su esposo. El pintor prefería a una joven de buenos orígenes burgueses que a una dama "que se avergüence de verme coger los pinceles". Sin embargo, a pesar de evitar introducirse en la nobleza, Rubens muestra a su familia con aire aristocrático. 

Las figuras visten de manera elegante, cubriendo sus cabezas con graciosos sombreros -Helene recuerda al retrato de su hermana titulado El sombrero de paja-. Frans mira hacia el espectador y juega con un pajarito, al igual que su hermano Nicolas en el retrato junto a Albert, mientras Clara recoge su falda entre las manos y dirige su mirada a la madre. La postura de Helene sosteniendo en su regazo a su hijo ha sido interpretada como una Madonna profana. Bajo la inacabada silla se aprecian los contornos de un perro adormilado, símbolo tradicional del matrimonio y de la fidelidad.Se piensa que Rubens consideró ampliar la tabla para incorporar al niño que Helene esperaba, Pieter Paul, nacido el 1 de marzo de 1637.


Mercedes Tamara
13-01-2018

Bibliografia : ARTEHISTORIA  ( copia )

jueves, 11 de enero de 2018

TELEMACO Y MENTOR GIOVANNI BATTISTA TIÉPOLO

TELEMACO Y MENTOR 


Telémaco y Mentor
óleo sobre lienzo 110x 72cm
Rijksmuseum Amsterdam








En una primera época siguió el estilo de Giovanni Battista Piazzetta, Federico Bencovich y Sebastiano Ricci. El claroscuro del barroco da paso en él a los colores claros. En Venecia desarrolla un nuevo género, las vedutte, esto es, vistas minuciosas de Venecia, muy estimadas por los viajeros extranjeros.

Habiendo conocido un gran éxito por sus obras de Venecia y Bérgamo llegó a distanciarse del academicismo.

Excelente pintor, influyó en Goya debido a una notable técnica que posteriormente alcanzaría un gran reconocimiento: la «iluminación» de partes precisas del cuadro. Los colores claros resaltan impresiones o ideas tales como la pureza o lo divino. Tenía una gran facilidad para el dibujo. Sus composiciones son etéreas, llenas de gracia. Sus techos pintados, de efecto ilusionista, engañan a la vista y parecen abiertos al cielo.

Para sus temas bíblicos y mitológicos, introducía fondos arquitectónicos al estilo de Veronés. Su colorido es más claro y ligero que el de Tiziano o Rubens, con tonos nacarados, si bien maneja el pincel con soltura, sin buscar un efecto liso como Mengs y otros pintores neoclásicos posteriores.

Su producción es en gran porcentaje religiosa, por encargos de iglesias y cofradías venecianas. Abunda en cuadros de apariciones, visiones celestiales y temas de martirio. Por exigencias decorativas, suelen ser composiciones verticales muy alargadas, dividiendo el espacio entre una zona celeste y otra terrenal.

El cuadro de Telémaco y Mentor establece un elemento de contraste entre el sólido realismo de esta época y el estilo colorista , lleno de alegría decorativa de la pintura veneciana del siglo XVIII . 

Las figuras de los dos jóvenes protagonistas de la composición- Telémaco y Mentor en la búsqueda del padre del primero- Odiseo- ha sido resuelta con una técnica de amplias pinceladas que matiza un dibujo caligráfico e intermitente .


 El procedimiento es económico y efectista , y se halla revestido con una gama de colores cálidos , opuestos con audacia 


Mercedes Tamara
11-01-2018


Bibliografia : Wikipedia 

sábado, 6 de enero de 2018

CUPIDO DESATANDO LA CINTURA DE VENUS JOSHUA REYNOLDS

CUPIDO DESATANDO LA CINTURA DE VENUS 
Cupido destando la cintura de Venus
 óleo sobre lienzos 127,5 x 110 cm
Museo del Hermitage






Se  cree que la modelo de este cuadro fue la famosa Lady Hamilton , que Reynolds pintó en varias ocasiones . Pero también se dan otras hipótesis : en el libro de notas del pintor del año 1784 se menciona el nombre de miss Wilson , una modelo profesional que posaba para Reynolds .

Por cuanto el rostro de Venus está medio cubierto , y las pinturas femeninas que realizó el pintor por lo general tienen rasgos comunes , y por ese motivo, es difícil establecer definitivamente la identidad de la modelo.

El cuadro se considera inacabado , pero está plenamente elaborado en su composición y colorido : los tonos cálidos del segundo plano lanzan destellos rosados sobre el cuerpo de la diosa y se ha captado con viveza la postura del niño que mantiene la cabeza echada atrás con picardía . El contraste con el fondo del cuadro , es bastante acusado ya que muestra unos cortinajes de color rojo muy oscuros que hacen resaltar a la diosa Venus , que es la protagonista del cuadro , cuyos pliegues drapeados están trazados con la maestría característica del autor de este bello cuadro.

Parece ser que el cuadro es una repetición realizada por el propio autor de una composición anterior , que Grigori Potiomkin , favorito de Catalina II, que encargó en el año 1788




Mercedes Tamara
6-01-2018





Bibliografia : Grandes Museos, Edit Planeta


domingo, 25 de diciembre de 2016

BARBARA WILLIERS, DUQUESA DE CLEVELAND COMO SANTA CATALINA SIR PETER LELY

BARBARA WILLIERS, DUQUESA DE CLEVELAND COMO SANTA CATALINA


Barbara Williers, duquesa de Cleveland como Santa Catalina
óleo sobre lienzo 125,7 x 100 cm
Colección particular




Alrededor de 1641 , Peter Lely ( 1618-1680 ) se trasladó de Haarlem a Londres, para concentrase en paisajes y cuadros históricos , antes de seguir su carrera de retratista y marchante de arte en la capital inglesa . Era el momento oportuno , porque los retratos estuvieron muy de moda durante el siglo XVII en Inglaterra y Lely seguiría los pasos de Anton van Dyck.

Sus primeras obras mostraban la influencia de este último y también del barroco holandés , si bien Peter Lely desarrolló a lo largo de su carrera un estilo propio . El artista recibió prestigiosos encargos del rey Carlos I , y después de Oliver Cromwell, pero fue durante el reinado de Carlos II cuando alcanzó la cima del éxito.

En 1660 fue nombrado pintor de cámara de Carlos II  y disfrutó de fama y fortuna considerables. Fue el mismo año en que Barbara Williers se convirtió en amante del monarca , y Lely la pintó en varias ocasiones . 

La extraordinaria belleza de la dama se convirtió en modelo de las mujeres pintadas por Lely , y recreó su lánguida sensualidad con mano suave y evocadora . Lady Williers era tan promiscua y atrevida como insinúa su mirada . Es la exuberante paleta y la atención a la textura de Lely -el brillo de sus perlas , el lustre de sus prendas de seda y el resplandor de su piel -lo que convierten la obra en un placer estético 

Mercedes Tamara
25-12-2016



domingo, 18 de diciembre de 2016

EL AVARO MARIANO FORTUNY

EL AVARO 1870. 1872
El avaro
óleo sobre tabla 30, 5 x 41 cm
Colección particular


Se trata de un tema poco frecuente en la producción de Fortuny , cuya personalidad parece que no era dada a tratar aspectos relacionados con la muerte . En este caso la parca viene disfrazada de alegoría , a través de una iconografía consagrada por la tradición , en la que el esqueleto de un avaro yace junto a un gran cofre abierto que parece guardar el tesoro recaudado a lo largo de su vida.

La escena tiene lugar en una desnuda habitación , en una de cuyas paredes se encuentra el pequeño ventanuco enrejado por la que penetra el haz de luz que ilumina la estancia en diagonal e impacta sobre el protagonista que parece haberse quedado como petrificado , al estar contando las monedas de oro, que sobre el suelo , brillan con tanto protagonismo como él . 

El aspecto algo truculento de la composición se ver reforzado por el empleo de tonalidades oscuras y la hábil utilización de la iluminación , en un alarde compositivo que vuelve a demostrar la habilidad del artista. 

La sensación atmosférica de la estancia cerrada y estancada, casí como si se tratara de una tumba , donde revolotean en el aire antiguas partículas polvorientas , ha sido captada a la perfección , conjugado cierto abocetamiento con el interés , más clásico, por el sombreado gradual , los intervalos luz-oscuridad y su importancia en la realización y consecución de las formas.


Parece que el gusto del artista se centra más en el estudio de los efectos lumínicos y de la composición , que en el melodramático tema . Así esta olvidada habitación , se abre al primer plano , a través de una composición decididamente en diagonal que queda subrayada por la disposición del esqueleto y del cofre y animada por la utilización de un color a base de tonos cálidos y ocres - donde únicamente destaca el pañuelo de intenso rojo que cubre la frente del avaro - que sigue la linea de penetración hacía el espacio imaginario del lienzo. La estancia se hace verdaderamente agobiante debido a la terminación de esta perspectiva en una pared vacía , que viene a remarcar simbólicamente la idea de prisión

Mercedes Tamara 
18-12-2016

Bibliografia . Fortuny , ARTEHISTORIA


sábado, 10 de diciembre de 2016

AUTORRETRATO ANTON RAFAEL MENGS

AUTORRETRATO 

Autorretrato
óleo sobre lienzo 102 x 77 cm
Museo del Ermitage





 Anton Rafael Mengs Fue el pintor más famoso y mejor considerado de su tiempo, y ejerció en sus coetáneos una influencia notable. En la actualidad, más que sus obras históricas y alegóricas se valoran los retratos que realizó para numerosas cortes europeas.
Su repercusión en el arte español fue notable, especialmente en la corte de Madrid. A su sombra despuntaron los Bayeu, y también intervino para que Goya obtuviese un primer empleo en la capital. Su difícil carácter hizo que se enemistara con muchos personajes de la corte, lo cual le hizo acortar su estancia.

El clasicismo ecléctico de Rafael Mengs pretendía conjugar los ideales de la Antigüedad con las tradiciones del academicismo boloñés , no se extendió en su obra al género retratístico . En este campo permaneció riguroso y exento de restricciones formales , mantuvo un vivo interés por la naturaleza , los rasgos individuales y el carácter de la personalidad humana . Uno de los mejores ejemplos es el Autorretrato del Ermitage, obra clásica por su composición , expresividad de la imagen y el colorido de tonos grises , rosados y amarillos.

Mercedes Tamara
10-12-2016

jueves, 8 de diciembre de 2016

EL DIBUJANTE JEAN SIMÉON CHARDIN

EL DIBUJANTE

El dibujante
óleo sobre lienzo 19 x 17 cm
Museo Nacional de Estocolmo









Jean Siméon Chardin, llamado sin razón, incluso en vida, Jean-Baptiste-Siméon (París, 2 de noviembre de 1699 – 6 de diciembre de 1779), está considerado como uno de los más importantes pintores franceses del siglo XVIII. Se le conoce principalmente por sus naturalezas muertas y sus retratos



Esta pintura que comentamos y que se titula El dibujante alcanzó gran éxito en su tiempo , se expuso en el Louvre en el año 1738 y hay réplicas de él en colecciones de París , pues no es el único caso en que la clientela de Chardin , le exigiera la repetición de un tema grato.

El protagonista es un dibujante , desastrado en su indumentaria , que sentado en el suelo traza una lámina a la sanguina, apoyado en un cartapacio y teniendo a la vista otro dibujo de gran tamaño e igual técnica clavado en la pared. El maestro rico y poderoso que era Chardin ha tratado con simpatía a su humilde colega y lo ha colocado de espaldas , sin rostro, como queriendo representar en el a todos los que luchan por abrirse el difícil camino del arte. 

Es admirable la entonación terrosa clara que tiene el cuadro , con una inverosimil finura de matices . Y lo es también la certeza definitiva conseguida con un pincel suelto y espontáneo . Cualidades que aún quedan más de manifiesto en El dibujante

                                                              
                                        Mercedes Tamara
                                              8-12-2016

Bibliografia :Guía de los Grandes Museos, Edit Planeta

martes, 29 de noviembre de 2016

LA CORONACIÓN DE MARÍA DE MÉDICIS PIETER PABLO RUBENS

LA CORONACIÓN DE MARÍA DE MÉDICIS 
La coronación de María de Médicis
óleo sobre lienzo 49 x 63 cm
Museo del Ermitage San Petesburgo





Peter Paul Rubens (Siegen, actual Alemania, 28 de junio de 1577 - Amberes, actual Bélgica, 30 de mayo de 1640) fue un pintor barroco de la escuela flamenca. Su destacado estilo enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Trató toda clase de temas pictóricos: religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, retratos, así como ilustraciones para libros y diseños para tapicerías. Se calcula que llegó a pintar unos 3.000 cuadros gracias, en parte, a los miembros de su taller que, al parecer, trabajaban en cadena Fueron discípulos o ayudantes suyos, entre otros, Jacob Jordaens, Gaspar de Crayer, Theodor van Thulden, Cornelis de Vos y Antoon van Dyck, que trabajaron completando varios encargos para la Corte Española en Madrid.Rubens dominaba diversas lenguas y llegó a ejercer como diplomático entre distintas cortes europeas.

En el año 1622 a Rubens se le encargó la confección de los adornos decorativos de una de las galerías del palacio de Luxemburgo recientemente construído en París . El tema versaba sobre la vida de  "Maria de Médicis de los que se encargó veinticuatro cuadros . La elección de este tema adquirió mucha importancia : éstos se sometían a discusión por la propia reina, el cardenal Richelieu y otras personalidades de la corte .

En el Ermitage se exponen cinco bocetos del pintor realizados para los cuadros de esta serie que en la actualidad se encuentran en el Louvre . El más señalado de todos es La coronación de María de Médicis, que es un esbozo de la primera variante de la composición . En él se representa la ceremonia que tuvo lugar en la catedral de Saint- Denis de Paris , en el momento en que el cardenal coloca la corona sobre la reina arrodillada . Los obispos se mantienen en un actitud severa e inmóvil, sobre el fondo destaca la figura de la reina. Las figuras de los niños que la rodean- el delfín Luis , la princesa Enriqueta Maria y el paje- con su fragilidad subrayan la ceremoniosa pesadez del manto de la reina que cae en pliegues . Casi de espaldas al espectador aparece el duque de Vendòme . El grupo de los cortesanos se ofrece en un breve esbozo .ç

La obra asombra por la belleza del colorido en el que dominan los tonos negros , rosados y plateados , unas veces cálidos y otras fríos. La solución del color , rebuscada y profundamente meditada , imprime una fuerza pictórica inusual a éste , que es esencia, tan sólo un boceto inicial


Mercedes Tamara
29-11-2016

Bibliografia : Wikipedia 














viernes, 25 de noviembre de 2016

EL BUEN PASTOR BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO

EL BUEN PASTOR
El Buen Pastor
óleo sobre lienzo 123 x 101 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado



Este pequeño lienzo fue y sigue siendo uno de los más populares de Murillo. En un entorno agreste en el que se hallan diseminados restos de arquitectura clásica , se representa al Niño Jesús como un pastor que sujeta un cayado en la mano derecha y apoya la izquierda en una oveja. En el fondo , bajo un denso cielo grisáceo se divisa el resto del rebaño.

El tema del Buen Pastor procede de un texto de san Juan en el que se compara a Jesucristo con el que sacrifica su vida por las ovejas . La simbólica presencia de un animal en primer plano ha hecho pensar en la parábola de la oveja descarriada , extraída del Evangelio de San Mateo ( 18, 12 ) " Si uno tiene cien ovejas y se le extravía una . ¿ no dejará en el monte a las noventa y nueve e irá en busca de la extravíada ? " 

La seriedad del tema queda perfectamente plasmada en este lienzo en el que , a pesar de la ternura del Niño Jesus, prevalece un  tono general retórico y misterioso a la vez , subrayado por el empleo de tonos fríos . La composición está muy estudiada , sin que por ello parezca artificiosa. El Niño y la oveja dominan el centro y subrayan un eje vertical , recalcado a su vez por la columna quebrada del fondo. El contraste barroco aparece sugerido por la diagonal que trazan la pierna izquierda del Niño Jesús , su cavado y las dos manchas de sombra de donde éste termina.


Mercedes Tamara
25-11-2016

Bibliografia : Murillo, Edit Biblioteca El Mundo 


miércoles, 23 de noviembre de 2016

MUJER PEINÁNDOSE GIOVANNI BELLINI

MUJER PEINÁNDOSE 1515

Mujer peinándose
óleo sobre tabla 62 x 79 cm
Kunthistorichas Museum Viena





En sus últimos años Giovanni Bellini realizó uno de sus trabajos más delicados y atractivos: esta Muchacha peinándose considerada por los especialistas como una alegoría o una escena mitológica, planteándose también la posibilidad de que se tratara de un retrato. La joven se presenta ante un fondo neutro cortado por la ventana que permite contemplar el paisaje; sentada sobre una cama en la que apreciamos los pliegues del manto que ligeramente cubre su cuerpo, dirige su mirada hacia el espejo, reflejándose su tocado en otro espejo que encontramos en la pared.


Su blanquecina piel sirve de contraste con el fondo y el paño, mostrando el canon femenino de la época. La luz que baña la figura realza su belleza, apreciándose una ligera desproporción en el brazo que la muchacha se lleva al cabello, quizá motivada por la colaboración de algún discípulo al fallecer Giovanni Bellini antes de finalizar el trabajo. Este tipo de imágenes servirá de influencia a Tiziano.

Mercedes Tamara
23.11-2016

Bibliografía : Guía de los Grandes Museos Edit Planeta